Pacific Eye&Ear: fabricantes de portadas míticas.

mayo 22, 2014 — rockologia

El arte en portada: Pacific Eye&Ear

Ernie Cefalu fundó la “Pacific Eye&Ear” en 1972 para dar rienda a su devoción por el arte y al negocio lucrativo de las portadas musicales en aquellos años dorados del rock. El tipo ya venía de trabajar con grandes como Rolling Stones (Sticky Fingers) o Grand Funk Railroad. Durante los siguientes quince años se rodeó de excelentes ilustradores para diseñar un total de 194 portadas, algunas míticas por sí mismas y otras porque adornaban un álbum que ha trascendido por su contenido musical. Tras este periodo, amplió la empresa, le cambió de nombre y se dedicó, principalmente, a la publicidad y la imagen de grandes marcas (y aquí no hacemos publicidad, así que a investigar).

Alice Cooper fue uno de los clientes que más fama le dio. La compañía de Ernie cambió la forma de empaquetar la música a través de Killer, School’s out (un pupitre que se abría) o Billion Dollar Babies (una cartera de piel). Aerosmith, Black Sabbath, Iron Butterfly, Bee Gee’s o Black Road Arkansas, así como gran cantidad de músicos de Jazz.

Aquí va nuestra pequeña selección del arte en las portadas de Pacific Eye&Ear.

Alice Cooper – Welcome to my nighmare – 1975

Canned Heat – One more river to cross – 1973

Kantner,  Slick and Freiberg – Baron von Tollbooth & the Chrome Nun -1973

Black Sabbath – Sabbath Bloody Sabbath – 1973

Aerosmith – Toys in the attic – 1975

 

Publicado en Arte-Rock. Etiquetas: Aerosmith, Alice Cooper, Black Sabbath, Canned Heat. Leave a Comment »

Portadas rock con periódicos y cómics

mayo 15, 2014 — rockologia

 Periódicos y cómics en las portadas de álbumes rock.

La relación entre el cómic y la música rock está muy arraigada en ambas direcciones: tanto héroes de nuestro rollo han aparecido en tebeos como invitados o protagonizando sus propias historias, como el cómic ha servido de escusa para ilustrar las portadas de algunos grandes discos. ¿Y qué decir de los periódicos? ¿Acaso no han ocupado cientos de noticias nuestros escandalosos artistas? Motivo suficiente para protagonizar sus propios diarios en algunas célebres portadas.

He aquí una breve selección de algunas de las portadas de rock con periódicos o cómics que más nos gustan.

Cheap Thrills – Big Brother & The Holding Company – 1968

Una de las más célebres y celebradas, a cargo del genial Robert Crumb

Guns’n’Roses – Lies – 1988

Los ‘roses se marcaron un periódico con noticias controvertidas donde leemos los títulos de las canciones del álbum (EP más bien). Fueron tachados de machistas, misóginos y xenófobos.

KISS - Unmasked – 1980

Dibujada por Vitor Stabin, representaba la persecución de un periodista a los miembros de la banda intentando conseguir una instantánea de sus “verdaderos” rostros.

Joe Satriani - Surfing with the alien – 1987

Como si el gran Jack Kirby fuera fan de la música de Joe Satriani… aunque es al revés. Tanto el título como la canción Ice 9 están inspiradas en la iconografía del personaje Estela Plateada.

Jethro Tull – Thick as a brick – 1972

Quizá la más famosa, contenía un periódico con noticias acerca del protagonista, siguiendo el guión de la historia musical. Mucha gente creyó que todo era cierto. Impagable.

 

Publicado en Arte-Rock. Etiquetas: Cheap Thrill, Guns N'Roses, Jethro Tull, Joe Satriani, Kiss. 2 Comments »

Las portadas de Judas Priest

septiembre 21, 2013 — rockologia

Las portadas y los portadistas de Judas Priest

A lo largo de casi 40 años, los británicos Judas Priest han editado 16 álbumes con sus correspondientes portadas. Lo curioso es que, a pesar de las cuatro décadas, la mayoría de este arte ha sido responsabilidad de tan solo cuatro personas.

Roslaw Szybo nació en Polonia allá por 1933 y tras mucho traqueteo por el mundo aterrizó en la CBS como artista y diseñador, primero, y como director artístico, después. Permaneció currando para la compañía desde 1972 hasta 1988, periodo en el que de manera directa o indirecta sacó adelante casi 2000 portadas. Se encargó de todas las portadas de Judas Priest desde Sin after sin (1977) hasta Point of entry (1981). También le debemos el diseño del logo clásico de la banda.

Otro personaje fundamental fue Doug Johnson. Pintor, cartelista y, en definitiva, ilustrador, Doug diseñó tres de las más famosas portadas de la banda: Screaming for vengeance (1982), Defenders of the faith (1984) y Turbo (1986). ¿Quién no se impresionó con Hellion, el águila mecánica, cayendo del cielo? ¡Y esa mezcla de gato salvaje y tanque, el Metallian! Buena parte de su obra puede consultarse en este enlace

El tercero en discordia se llama Mark Wilkinson y dedicó buena parte de su trabajo a las portadas de Marillion y Fish. Para Judas realizó tres trabajos: el puño azul que cae del cielo en Ram it down (1988), el ángel metálico con su moto-dragón en Painkiller (1990) y el Jugulator (1997). Dale un vistazo a su página web, impresionante. También encontrarás su firma en portadas y pósteres de Iron Maiden (The wicker man), The Darkness o Bon Jovi, entre otros.

El cuarto elemento en realidad apareció en primer lugar. John Pasche diseñó las portadas de los dos primeros álbumes: Rocka Rolla (1974), con la famosa chapa, y Sad wings of destiny (1975), aunque la pintura original corresponde a Patrick Woodroffe. El currículum de este hombre sobrepasa este blog y su relación con Judas fue más casual que otra cosa, pues se encargaba del departamento artístico de la compañía de discos. El diseño más famoso de este tipo lo realizó para The Rolling Stones: la famosa boca con la lengua.

Publicado en Arte-Rock, Productores, compositores y otros personajes. Etiquetas: Judas Priest. 4 Comments »

Storm Thorgerson, creador de portadas.

junio 21, 2013 — rockologia

Storm Thorgerson, creador de portadas

Hace pocos días fallecía este tipo, alma y cerebro del estudio de arte Hipgnosis, empresa de diseño que nos regaló algunas de las mejores portadas de la Historia del rock, desde A saucerful of secrets de Pink Floyd hasta la última que oficialmente realizó el estudio, Coda, de Led Zeppelin.

La compañía nació en 1967 en el West End londinense a medias entre Torgerson y su amigo Aubrey Powell. Al poco, otro colega de correrías juveniles, Syd Barret, les encargó la portada del segundo trabajo de Pink Floyd. Tal fue el impacto que comenzaron a recibir multitud de ofertas y pedidos, convirtiéndose en una referencia en el género.

Thorgerson presumía de haber realizado todas y cada una de las imágenes “de verdad, sin trucos”. Lo que se veía estaba allí; obviamente realizaban montajes, collages y coloreaban las fotos, pero nunca utilizaron trucos de estudio o de ordenador.  El arte de la imagen era como el sonido de la canción, tenía que comunicar algo, narrar una historia. Una playa llena con doscientas camas un fin de semana para A momentary lapse of reason de Pink Floyd, se viaja a una recóndita costa irlandesa para fotografiar a unas niñas para la portada del Houses of the holy de Led Zeppelin… ¡lo que sea por el arte! Y si hay que fotografiar mil veces a una vaca para conseguir la foto perfecta, se hace.

Led Zeppelin, Black Sabbath, Rainbow, Paul McCartney, Yes, Génesis, todos buscaban ese toque especial que vendía tantos discos como la propia música. El concepto se fue agrandando, y se encargaban del interior, del embalaje, hasta de la publicidad.

En 1983 Hipgnosis desapareció y dejó paso a Green Back Films, donde Storm trabajó como director de videoclips y portadista. Poco después, Thorn se montó por su cuenta. Sus últimos trabajos, las portadas del New Horizon de The Answer y del Only revolutions de Biffy Clyro.

Un homenaje a un artista peculiar que definió a lo largo de cuarenta años de trabajo una forma de entender la imagen y, cómo no, la música.   

 

Publicado en Arte-Rock, Productores, compositores y otros personajes. 2 Comments »      

rockcologia.wordpress.com

El rock y el arte

Las portadas de los grandes discos

Avelina Lésper

Con un panorama general de las portadas de discos a la vista se demuestra que el rock es el género musical que se une al arte y toma riesgos con sus portadas. Los artistas que han realizado cubiertas memorables lo han hecho para el rock.

© Heinz Edelmann

En 1938 Columbia Records, con la genial aportación del diseñador Alex Steinweiss, comenzó la venta de LPs con portadas que hablaban del género musical del disco como una estrategia de ventas. Esto hizo que evolucionaran las portadas de papel craft, que sólo daban información con tipografía, a imágenes de diseño con color y estilo. El visionario Steinweiss revolucionó y abrió la puerta para que las portadas fueran en sí mismas obras autónomas, y soporte artístico, muchas veces mejores que la música que contenían.

Heinz Edelmann y el submarino amarillo

I want your horror, I want your design.
—Lady GaGa, “Bad Romance”

© Heinz Edelmann

Peter Max es el artista que ilustra las cubiertas de los directorios telefónicos de ATT con una versión a todo color del rostro de la estatua de la libertad, Liberty Head. Max hizo toda su carrera copiando el estilo y la paleta de color de Heinz Edelmann, hasta el grado de que la mayoría cree que él es el autor de los dibujos de la portada y película animada de Yellow Submarine, de los Beatles. Si algo definió el contenido de un material musical y lo implantó en la memoria fueron los dibujos de Edelmann. En el auge de las drogas psicodélicas, cuando la alucinación era más intensa en su mito que en la realidad, los dibujos de Edelmann dieron forma a la fantasía colectiva de lo que se suponía sería estar en otro plano de conciencia, o sea, súper drogado. Antonio Escohotado, investigador devoto de diversas sustancias, en su Historia general de las drogas dice sobre el LSD: “En una primera fase del vuelo se recorren paisajes visuales asombrosos, sin detenerse en ninguno, viéndose el sujeto desde dentro y desde fuera a la vez”. Edelmann dio forma y color a estos viajes sin asociación o sentido lógico, sembrando el estilo psicodélico. Las canciones de los Beatles ilustradas por el arte de Edelmann se convierten en una odisea, son un viaje iniciático que ilumina e inventa la leyenda de lo que todos querían ver, pájaros púrpuras, flores de arcoíris, agujeros que puedes levantar del piso. Dibujos planos como naipes, montajes sin perspectivas en la estética de los iconos medievales, colores primarios. En este Alice in Wonderland para adultos los cerebros de Lucy in the Sky with Diamonds se animan en una tomografía alucinatoria, banderas, nubes, gatos azules. Por primera vez se hace la asociación visual de las drogas y su acción en el cerebro. La obra de Edelmann es una de las minas del arte, no solo lo copió Peter Max, los animales fantásticos, los cocodrilos rosas, las manos con bocas dentadas, están hasta en el famoso zoológico de Francisco Toledo y todos los oaxaqueños que copian a su maestro. Desde el surrealismo, que hacía de las combinaciones arbitrarias e inconscientes un lenguaje psiquiátrico de ficción, Edelmann crea el lenguaje de ficción de las drogas y enlaza sus visiones con las canciones. La obra de Edelmann creó cánones y a pesar de eso no es recordado como el iniciador de un movimiento estético; en revancha su siempre exitante Yellow Submarine un día cumplirá los 64 sin preocuparse por “Will you still need me, will you still feed me, When I’m sixty-four?”

De la propaganda a la música, Shepard Fairey

The marriage of great art, great music and great ideas is an incredible powerful one.
—Shepard Fairey

Johnny Cash © Shepard Fairey

Led Zeppelin © Shepard Fairey

Blondie © Shepard Fairey

Neil Young © Shepard Fairey

La obra de Shepard Fairey está inspirada en la estética de la propaganda soviética y maoísta. Planos constructivistas, rostros como monumentos, perspectivas geométricas que lanzan la mirada a un futuro prometedor, la utilización del primer plano como glorificación del personaje. Hizo de los enemigos naturales del capitalismo, como Lenin y Mao, puños levantados, estrellas con ramas de trigo, un lenguaje estético que irrumpía en la calle en atentados guerrilleros del arte urbano. Entre los rostros que Fairey hizo en carteles están los de los músicos que él admira; en los conciertos en clubes buscaba a los músicos y les ofrecía hacerles sus pósters y los pegaba en donde le daba la gana. Esta invasión de la propiedad privada con esténciles, pegatinas, pósters gigantes que tomaban espacios publicitarios lo hizo un outsider con el que se identificaron otros músicos. Entonces buscaron a Fairey para las portadas de sus discos, los pósters de sus giras y conciertos. Esto era una declaración de principios, no querían la tapa que hace el departamento de marketing, querían la obra de un artista urbano que rompe las leyes y que ha sido detenido con su equipo de trabajo en varias ocasiones. Aplicó su estilo de propaganda con su austera paleta en colores rojo y negro, a veces amarillo y azul en carteles y portadas para los Sex Pistols, esténciles de Bob Marley y Ramones. Fairey es un gran impresor que combina técnicas en sus obras, inserta grecas de tapices chinos y distintos fondos. Los músicos entran en la estética de Fairey y aparecen como radicales, se incorporan a la calle como parte de la cultura popular. Uno de sus trabajos más elaborados es el póster de Jimmy Hendrix que le encargó guitarras Gibson para su tradicional concurso. En esta obra realiza una superposición de elementos de tapicería oriental, orillas de timbres postales, grecas de billetes, centrando a Hendrix con su guitarra en blanco y negro. Linkin Park, Iggy Pop, The Gems, Interpol, Blondie, Tom Petty y Bob Dylan, The Cult —con una bomba que estalla negra, amarilla y blanca sobre fondo rojo y una estrella soviética— y la última recopilación de Led Zeppelin, Mothership, con el arte de Fairey entran en conexión con el público que hace un ritual de la música en vivo. Estos carteles que son para conciertos y se pegan en todos los sitios, aunque sea ilegal hacerlo, hacen del concierto y la reunión de las masas una comunión. La música detona emociones, crea comunidades, alimenta fanáticos, el cartel debe ser algo más que marketing, debe ser una obra que esté a la altura del fenómeno. Si el auditorio va al estadio o al club para cantar una canción a gritos, el cartel debe ser una voz que alcance esos decibeles.

El arte fantástico de Roger Dean

There’s you, the time, the logic, or the reasons we don’t understand.
—Yes, “Close to the Edge”

© Roger Dean

© Roger Dean

© Roger Dean

Entre H. R. Giger y Magritte, las portadas que Dean realizó para el grupo Yes son inmensos espacios abiertos y silenciosos, en los que la voz de Jon Anderson viaja sin interrupciones. Dean es además el creador del logo de la banda, ese Yes inflado de curvas que se entrelazan por un camino interminable. Entre pósters y portadas de discos Dean vendió unos 60 millones de copias; para él este asunto tan exacerbado de la piratería es parte de la falta de evolución de las disqueras. En los tatuajes surgió el estilo Dean, con figuras que se enredaban entre líneas curvas y animales. La primer colaboración fue para el álbum Fragile, en el que un planeta es surcado por una nave que remite a las máquinas de Leonardo y la ruta es un trazo blanco por todo el globo, una esfera que flota en un firmamento morado. El mundo Yes acababa de ser descubierto. Cada álbum era una galería de la obra de Dean; en algunos, como Yessongs, incluía cuatro pinturas. La banda descubrió la obra de Dean en la portada para el grupo afro-británico pop Osibisa, en la que el estilo Dean ya estaba claro: elefantes rojos con alas de avispas mutados en dragones con los rostros de los músicos como quistes que brotan hasta de la trompa. Entonces lo que menos deseaba Yes para su imagen era la foto de grupo que usaba la mayoría de los músicos, querían que Dean inventara un mundo en el que podrían vivir sus fans. La música, dijo Nietzche, “es el único arte capaz de amarse a sí mismo” e invita a esa masturbación que es escuchar y cerrar los ojos para ver, gozar; la música entra al cuerpo, no lo podemos reprimir, lo inunda, por eso nos movemos cuando escuchamos, porque la música posee, coge. Para muchos fans las portadas de Dean eran un mundo postapocalíptico y ese sonido es el de los sobrevivientes. El continuo desarrollo de las portadas era un mapa que nos indicaría cómo llegar a ese mundo, Dean a esto sólo decía: “Es una forma de cómo yo creo que se ve la música de Yes”. La música se ve, ese es el hallazgo de las portadas de artistas. Peñascos flotantes, formas orgánicas, paisajes futuristas continuaban la narración de la música de Yes, y las promesas de sus canciones Dean las materializaba con acuarelas, tintas, pasteles en un hábitat milenarista y extraterrestre.

Masters: Stanley Mouse y Robert Crumb

Some people never go crazy. What truly horrible lives they must lead.
—Charles Bukowski

© Stanley Mouse

© Stanley Mouse

© Stanley Mouse

Influenciado por el art nouveau de Alphonse Mucha, Stanley Mouse ayudó a formar el mito de Grateful Dead. Creador —entre docenas de imágenes— de la calavera coronada de rosas para el álbum Skull and Roses, una acuarela y tinta china que se convirtió más tarde en serigrafía. Se fugó de la Escuela de Artes de Detroit para instalar su taller de carteles y camisetas en San Francisco. Inició su trabajo en los sesenta como el diseñador de pósters de los conciertos de rock que se celebraban en el Avalon Ball Room, en el 1268 de Sutter Street, y más tarde diseñador de las portadas de los grupos. Estos carteles crearon el mito de Avalon. Fascinado con los dibujos de cráneos y esqueletos, cuando le propusieron un póster para Grateful Dead se inspiró en un grabado antiguo que ilustraba un poema de Omar Khayyam. A partir de ahí hizo de su obra un sincretismo entre el barroquismo de estilos antiguos, su paleta de color y la psicodelia; él mismo reconoce que nunca se ha inspirado en los artistas actuales, que todo está en el arte del pasado. Una vez Janis Joplin audicionó en su estudio hasta que llegaba la policía porque los vecinos reportaban que una mujer estaba gritando ahí. Para uno de los carteles de Big Brother utilizó el rostro que aparecía en el papel para fumar Zigzag. Los miembros de la banda, convencidos de que eso los exponía, fueron al estudio de Mouse y lo limpiaron a fondo: ni una semilla, ni una brizna quedó, pero la policía nunca se apareció. Esperando también represalias por parte de los dueños de Zigzag, retiraron los carteles, pero meses más tarde se enteraron de que en Zigzag estaban encantados: fue una gran campaña publicitaria y no les costó un dólar.

© Robert Crumb

© Robert Crumb

© Robert Crumb

Robert Crumb impone en sus portadas una violenta acumulación de personajes delirantes que padecen la vida o la música como si vivieran presos día y noche en un poema de Charles Bukowski. Autor de la portada del clásico de Big Brother and the Holding Company, Cheap Thrills, de 1968, con su inimitable estilo hace retratos de cada uno de los miembros de la banda. Crumb, que además es músico, también realiza las portadas de sus propios discos, R. Crumb and His Cheap Suit Serenaders. Como artista de novela gráfica ha realizado la biografía de Charlie Patton y una colección de cartas con los retratos de los héroes del blues, R. Crumb’s Heroes of Blues. Crumb hace de su pasión por la música parte fundamental de su obra y liga un lenguaje visual truculento y obsesivo a la partitura del disco.
El arte hace al contexto. Una portada realizada con arte se convierte en un objeto de valor, crece y potencia a un soporte sencillo hasta hacerlo trascender, lo vuelve coleccionable. Si el rock es para siempre, unido al arte es eterno. Las portadas artísticas son el género que abrió la puerta al videoclip, al fenómeno de ilustrar la música con imágenes tan poderosas como las partituras. Las portadas por eso son consecuentes con el disco. Por lo general la música mala tiene portadas mediocres, aunque, como el talento escasea, muchos grandes músicos han tenido que sacar adelante discos buenos con pésimas portadas a cargo del departamento de marketing. Parece que en la industria ya es un canon: si dejas que la disquera haga la portada, esta será, en la mayoría de las veces, un asco, pero si los músicos se involucran, por lo menos quedará algo original.  

revistareplicante.com

El Arte del rock El Infinito mundo del rock sinfonico Jethro Tull Pink Floyd Genesis Yes Historia del Blues Historia del jazz	El Arte del rock
	Cuando, y donde el rock se convierte en arte. El compromiso escénico del creador para presionar sus límites es creíble, si y solo sí, es capaz de crear lo simbólico en lo real. De allí se desprende su ansiedad por extraer del concepto a desarrollar, los elementos necesarios para que su obra venga a proponer un reto que contagie al espectador al primer contacto y, le provoque la curiosidad e incertidumbre para adentrarse en su obra. De otra forma el artista encontrará el rechazo y el desapruebo de un trabajo por falta de sustento. Crear no es suficiente, si se crea obra para mostrar al artista en sí, más bien se debe crear, la pasión, el amor y la angustia en sí. De otra forma Wagner está equivocado. La disciplina debe rebasar a la habilidad, pues son unos los que nacen con el don y otros los que tiene que desarrollarlo. Buscar, documentarse y medirse es parte esencial de un artista para evolucionar y depurar su encubierto estilo. Enfrentar el cambio es lo más válido. Investigar y sustentar la obra para poder romper con lo establecido, es una tarea que conlleva a la originalidad de otra manera no hay razón de ser. Artistas hay tantos como libros sin hojearse. El buen artista afecta nuestras emociones con la calidad de sus ideas, no con la cantidad de notas o el equipo que utiliza al servicio de éstas. También sabe que su renuencia a convertirse en artista complaciente quedará relegada ante la perspectiva de los grandes éxitos. Si el artista despierta lo que duerme en nosotros y nos crea la necesidad, nos tiene atrapados. Algunos se han servido del progresivo para ser pop- stars, el ejemplo más vil se llama Phill Collins. Otros evolucionan a paso lento, ciclándose en sus propio eje. Solo pocos conservan su esencia, y al final triunfan. Pero esta carrera es de paciencia, perseverancia, búsqueda, ambición y fidelidad. El rock arte a diferencia del rock básico provocó al audiófilo, con una infinidad de variantes musicales nunca antes escuchadas, una vez que la sicodélia dejó de retorcer las cuerdas, y dio paso a la búsqueda de nuevas combinaciones sonoras, con una enorme complicidad de instrumentos utilizados en la música clásica, que se fusionan con los elementos básicos de un grupo de rock, buscando esquemas musicales más ambiciosos, que dan un claro avance en los marcos musicales en una forma evolutiva total. Así es como podríamos describir en primer instancia el rock progresivo. Hablar de los primeros indicios del rock arte nos llevaría a la sicodélia o a la música electrónica primitiva, que con brotes esporádicos desde mediados de los sesenta empezaron a aparecer en un plano fuera del comercialismo, encontrando eco entre los que no están dispuestos a ser envueltos por las modas. El rock arte está mas apegado a las nuevas músicas que al mismo rock, sirviéndose de la ópera, el folklore, el teatro, la escultura, la poesía, la pintura, los cantos gregorianos, pero donde tiene su mayor, y más elegante auge, es en la música clásica. Por su parte el rock progresivo es un híbrido de jazz, blues y música clásica. Si aceptamos esto, como el origen del rock progresivo entonces recordarémos que se enmarcó una total innovación musical, pero no estoy de acuerdo que todos los grupos diferentes, al blues o jazz eran progresivos solo pòr utilizar teclados electrónicos. Rock progresivo es más conceptual y se apropia de un cau- dal de ideas y exploraciones de caminos ilimitados. El rock convertido en arte posee mayor alcances que el progresivo y no necesariamente debe sonar a rock, aunque en cierto momento se pueden fusionar en uno solo, es fácil confundirse. Se han adherido con el firme propósito de postrarse con multiformas, nuevos temas y representaciones, sacudiendo nuestra insensibilidad. Los nuevos instrumentos como el sintetizador Moog, el Mellotron, novedosos dispositivos electrónicos, y gran variedad de percusiones se funden para lograr combinaciones nunca antes mostradas. El órgano Hammond participa de manera permanente, no solo en los grupos de rock progresivo, también es adoptado por los grupos de rock convencional. La manera continua y gradual irrumpe con lo planteado hasta el momento, el uso de letras en forma de poemas, denuncia, protesta y fantasía le dan un mayor realce, ahora son complementos fundamentales para la conjugación de ambos. De la psicodélia al progresivo solo hay un paso y este fue dado por los músicos de mediados de los años sesenta. Esa conjunción fue amoldada de manera que los traslapes de los periodos no parece notarse, debiéndose en gran parte a que muchas bandas iniciaron el cambio dentro de la misma obra musical, brincando del progresivo al rock arte. Hay tres grupos que siempre abrieron sus brazos al cambio, pero nunca se desprendieron de sus ideales; King Crimson, los italianos P.F.M. y Pink Floyd. La sicodélia muere y no alcanza a ver sus frutos en los setenta. Pero una camada de jóvenes talentosos venía tomando cada vez más fuerza, y no estamos hablando de Woodstock, ni de los festivales de Monterey, sino de una cantera de músicos provenientes de la Europa occidental, quienes en lugar seguir los pasos de los Beatles se dedicaron a preparse por considerar que la música de los 4 fantásticos era sin trascendencia para el arte. De hecho los Beatles no ejercieron influencia en el rock, para cuando ellos intentaron hacer rock serio, ya se había iniciado el despegue. En 1717 George Fredrick Handel ofreció un extravagante viaje por el río apoyado por 50 músicos, marcando un clara separación en la música clásica: su obra Water Music. El cambio hacia una filosofía futurista iniciada en italia, y el Bauhaus teutón en la arquitectura influyó para que apenas iniciado el siglo XX Luigi Russolo propusiera la sustitución de los instrumentos tradicionales por artefactos para hacer ruido. Escribió su notación y ofreció conciertos donde lo aceptaban. Estas nuevas herramientas hicieron fracasar a los compositores clásicos e hizo que el músico revolucionario se agasajara. En 1920 el sacerdote Shoenbereg patentó las atonalidades con El serialismo de 12 notas las cuales se oponian a lo armonioso. Provocando el rechazo de los convecionalistas, no así de los aventurados. Este nuevo sonido evocaba al expresionismo en la pintura y desató la libertad artística. En 1933 el sistema nazi condenaba esta expresión por considerarla anti-arte y decadente. En 1950 Karl Stockhaussen escribe partituras para música electrónica y graba en acetato sus primeras cinco obras antes de 1960. John Cage ya había iniciado sesiones para innovadores como Robert Rauschenberg y sus amigos desde los 50’s. Los compositores contemporáneos, ya libres de límites preestablecidos liberan su creatividad y rápidamente hacen impacto en nueva audiencia, influenciando a los compositores de las subsecuentes décadas. Como puede el espectador determinar si la obra es auténtica y no esta siendo presa de un gambito artístico. Para empezar toda composición debe contener una estética armoniosa y debe sustentar la repetibilidad de sus señales, para que el escucha pueda ver su libre ejecución por muy amorfo que sea el sinuoso camino de tal composición. Debe contener también los origenes de ejecución para que sean propensos a equiparar su nivel creador. Una procesualidad ilimitada que fortifique el producto final libre de discrepancias y deméritos. No debe ocultar su origen y sí mostrar su aspecto innovador. Una proyección escénica compaginada con brotes de originalidad. Y una ejecucion de secuencia medible y entendible. Todo esto no debe agrandar al artista más de lo que es. En la progresión se incrementa la creación. Afirmo que grupos como Magma, Can y Tangenine Dream por citar solo algunos no tocaban rock progresivo. Su música no tenía los elementos descritos para ser considerada como rock progresivo, y si debieron ser enmarcados en el contexto de las nuevas músicas. Este fenómeno se volvió a presentar en los años ochenta con la naciente moda de new age, pues resultó que todo era nueva era. Por Dios!. Rock progresivo es la referencia para ubicarnos únicamente como una propuesta mu- sical diferente a lo realizado en los años sesenta y la era post-psicodélica. Es un parteaguas en el rock mismo. Por más de tres décadas, el arte se ha manifestado en el rock a través de un abundante manantial de obras provenientes de diversas corrientes musicales, dentro de las cuales podemos demostrar que, en el rock se ha dado brillo a gran cantidad de obras musi- cales de los grandes compositores de los siglos pasados, y así mismo se han creado obras nuevas, que retomando la escuela en la que fueron instruidos, devuelven a su Alma Matter su tributo, muchas de las cuales se han constituído en verdaderas gemas musi- cales. En el rock arte podemos encontrar fuertes manifestaciones de surrealismo; The Residents en su obra Eskimo, el esoterismo lo utiliza el grupo francés Arachnoid y el ensamble italiano de Devil Doll en Eliogabalus, las atonalidades es una area de oportunidad para el desarrollo de desquiciante imaginación de Franco Battiato, a la experimentación le dio luz Tangerine Dream en sus primeros trabajos, el hiperrealismo lo manifiesta Art Zoyd en su obra Le Mariage du Ciel et de L’enfer aparte de engrandecer la obra Nosferatu. La parodia es el objetivo número uno del maestro Frank Zappa, pero el humor nadie lo hace mejor que el grupo holandés Supersister, la crítica a una monarquía la manifiestó Pink Floyd en la popular obra The Wall. La contracultura se encuentra en el rock en oposición con los franceses Etron Fou Lelublan, los mexicanos Deci- bel, los italianos Stormy Six y Henry Cow de Inglaterra, El neoclasisimo nos lo mostró Electric Light Orchestra en su primer album, Julverne en Le Retour du Captain Nemo y Conventum en A l’affut d’un Complot. La música del cuerpo la evidenciaron Ron Geesin y Roger Waters. El futurísmo lo evocan los brasileños de Blezqi Zatsas en The Rise and Fall of Passional Sanit y los húngaros Solaris quienes en 1983 grabaron la con- ceptual obra Crónicas Marcianas del escritor de ciencia ficción Ray Bradbury, logrando vender mas de 38,000 copias en Hungría. Si consideramos la población de ese país equivaldría a un millón de copias si se hubiera realizado en Los Estados Unidos. A pocos meses de entrar a un nuevo milenio estos mismos músicos nos sorprenden con su descomunal obra Nostradamus: Book of the Prophecies consistiendo un fuerte debate entre los cantos gregorianos, el Moog, la flauta y angustiosos lamentos. Constituyéndose en el mejor album de 1999. Drama y teatro fue escenificado por los ingleses Gene- sis con Peter Gabriel, los franceses Ange y Monalisa. Sus pasos los siguieron Marillion, los suizos Deyss y los italianos Asgard entre muchos. Un tributo al sagrado libro La Biblia, lo hizo Vox Dei en un proyecto de músicos argentinos y brasileños. La elegancia del baile es expuesto por Esperanto en Last Tango, el finlandés Pekka Pohjola en Urban Tango y recientemente los franceses Sotos lo colocan en otro contexto con su epónimo album. Obras de singular belleza en la música del mediterráneo la apreciamos en Ecce Rock de Mediterrania, el flamenco lo exhibieron los españoles Medina Azahara su epónimo album, Carmen en Fandangos in Space y Triana en el Patio. Los cantos gregorianos fusionados al rock los encontramos en la obra Carmina Burana, adaptada por Ray Manzarek, el rock catalán llevado a otro plano lo dicta Companyia Electrica Dharma. Obras de descomunal belleza, tocando los límites de lo sinfónico realizadas por Banco en Di Terra, el genial com- positor Luis Enriquez Bacalov apoya a grupos como Ossana en L’uomo, New Trolls en concerto Grosso I& II y la obra Contaminazione de Il Rovescio della Medaglia constituida en una gema de incalculable valor, pero supe- rior a esta, tenemos la joya musical que nos legara Quella Vecchia Loccanda en Il Tempo della Gioia. El filósofo Friedrich Wilhem Nietzsche, inspira a los italianos Museo Rosenbach a escribir una de las obras más importantes de todos los tiempos, con la teoría del superhombre en Zaratustra y los suecos Tribute contribuyeron al rock arte con Terra Incógnita. Tal vez sea la obra más importante de la década de los ochenta.                    galeon.com

ARTE-ROCK UNA FILOSOFIA IMAGINARIA

Art rock

De Wikipedia, la enciclopedia libre

Saltar a: navegación, búsqueda

Art rock
Orígenes musicales	Rock psicodélico, Música clásica, Avant-garde, Jazz, Rhythm and blues, Blues, Folk, Folk rock, Música Experimental, Música aleatoria, Minimalismo, World music.
Orígenes culturales	Psicodelia de Inglaterra (y en menor medida Estados Unidos y Alemania), segunda mitad de los años 60.
Instrumentos comunes	Guitarra eléctrica, bajo, batería, voz, teclados (sintetizadores, piano, órgano y melotrón), arreglos de cuerda, entre otros (depende del artista).
Popularidad	Alta en los años 60 y principios de los años 70.
Subgéneros
Rock progresivo, Post-rock, Krautrock.

Art rock es un término usado para describir a un amplio subgénero de la música rock que se caracteriza por su tendencia experimental y sus ambiciones intelectuales, con las que muchos artistas buscan darle credibilidad al rock.^{[1] [2]} El art rock incorpora elementos tales como experimentación con ritmos ambiciosos, elementos estéticos y líricos no asociados a la música rock (en muchos casos con letras poéticas) y una tendencia a ver a los álbumes de larga duración como una unidad (por ejemplo, en el caso de los álbumes conceptuales), además de incorporar influencias de géneros tales como el jazz, la música clásica, la world music o la música avantgarde o experimental.^{[1] [3]}
En muchos casos se usa el concepto de "art rock" de un modo similar al término "rock progresivo"^[3] (estilo que alcanzó popularidad en los años 70), pero hoy en día los términos son usados por separado: el rock progresivo actualmente es considerado como un género principal de la música rock, mientras el término art rock permanece como una idea más extensa, más subjetiva y sin ubicación entre géneros.
En ocasiones "art rock" es usado para referirse a la música rock que tiende a la experimentación dentro de un marco de naturaleza más cercana al mainstream.^[4] El concepto también es usado comúnmente para referirse al denominado rock experimental, término que en general se usa más específicamente para hablar de artistas que buscan escapar a las convenciones pop en un intento de crear algo innovador.^[5] Según la Allmusic, el art rock (al igual que el rock progresivo) incorpora elementos de la música clásica europea y (en menor medida) del jazz, mientras que el rock experimental, aunque tiene características similares, es más "desafiante, ruidoso y poco convencional", más difícil de asimilar y está más relacionado con el arte moderno, en especial el avantgarde.^[6]
El término ha sido usado para describir, entre otros, a los siguientes subgéneros y estilos musicales:

• Los Bee Gees en sus primeros álbumes con sus excelente arreglos e instrumentación
• Las extensas estructuras sonoras, ambiciosas letras, y compleja musicalización común en muchas bandas de rock progresivo, como Pink Floyd.^[3]
• El avantgarde proto-punk de The Velvet Underground (en especial en los álbumes que el grupo editó cuando John Cale era miembro del mismo) y el sonido de bandas influidas por la misma (como Television).^[6]
• El sonido experimental de bandas de la escena krautrock como Can, Faust y Neu!.^{[1] [7] [8]}
• El estilo influido por las drogas con efectos sonoros e influencias no occidentales de muchas bandas de rock psicodélico de los años 60. Bandas como Pink Floyd.
• La incorporación del surrealismo a la música rock, así como la infuencia fantástica y mítica de la literatura en la lírica. Bandas como Pink Floyd.
• La sensibilidad estética, actitudes sexuales e innovaciones técnicas de muchos actos de glam rock y synth pop de los años 70 y 80, incluyendo a Roxy Music y David Bowie.^{[3] [9] [10]}
• La experimentación y el abrasivo ruido de muchas bandas de post-punk, post-rock, noise y rock alternativo de las últimas décadas, en el caso de bandas como Sonic Youth y Slint.^[6]
• El pop sinfónico influido por elementos de música clásica de bandas como Procol Harum y The Moody Blues.^[3]
• El rock de los sesenta que intentaba buscar límites dentro de éste género, añadiendo instrumentaciones extrañas, psicodélicas o avant-garde. Este movimiento era liderado por grupos que buscaban explorar distintas esquinas dentro del rock, como The Beatles, The Rolling Stones, y los trabajos más tempranos de Pink Floyd y Led Zeppelin.

Índice

 [ocultar] 

• 1 Historia del término
• 2 Relación con el rock progresivo
• 3 Subgéneros de rock experimental
  • 3.1 La escena de Canterbury
  • 3.2 Krautrock
  • 3.3 No Wave
  • 3.4 Math rock
  • 3.5 Post-rock
• 4 Art pop
• 5 Véase también
• 6 Referencias

Historia del término[editar]

La definición de "art rock" es muy vaga, debido a que muy pocos artistas de rock y pop aspiran a este titulo. La idea de "art rock" tuvo sus inicios en los años 60^[3] cuando varios grupos británicos de rock (como Pink Floyd, The Beatles, The Rolling Stones y The Who) comenzaron a ganar popularidad (algunas de estas bandas tenían miembros que asistían a una escuela de arte). Estas bandas pusieron en práctica algunos ideales artísticos contemporáneos, y en muchos casos ayudaron a popularizar la música psicodélica que estaba surgiendo a mediados de esa década. Según el crítico Piero Scaruffi, el rock en Estados Unidos era tabú y estaba visto como un "evento revolucionario" relacionado a cuestiones generacionales y a las diferencias "entre el Establishment y el underground"; mientras que en Gran Bretaña el rock fue convertido en una comodidad, lo que permitió que causara un mayor impacto en las masas. Al mismo tiempo, los artistas británicos realizaban una interpretación menos "literal" del rock and roll, con mayor influencia de los "asuntos artísticos, políticos y filosóficos de la cultura Europea". Scaruffi sostiene que "el rock había sido el diario de la juventud" de Estados Unidos, mientras que en Gran Bretaña se volvió "el equivalente a un ensayo".^[11]
El cantautor folk estadounidense Bob Dylan es frecuentemente considerado el primero en darle seriedad al rock con canciones como "Subterranean Homesick Blues" y "Like a Rolling Stone", y al incorporar letras poéticas en canciones instrumentadas por una banda de rock. Dylan influyó en artistas de la época como The Byrds y Simon and Garfunkel, quienes fusionaron folk y rock. La emergencia del rock psicodélico hizo que muchos artistas experimentaran con drogas, canciones más largas, improvisaciones y efectos sonoros. En ese contexto surgieron bandas como The Nice y Procol Harum (que comenzó su carrera con un estilo cercano al R&B), que comenzaron a incorporar influencias de música clásica y jazz y a usar de forma más prominente los teclados, mientras que los Beatles incorporaban a su música arreglos de cuerda y popularizaron instrumentos como el melotrón, un teclado que reproducía cintas pregrabadas (que los Beatles utilizaron en "Strawberry Fields Forever" y "I Am The Walrus").^[12] Este instrumento se volvería popular entre muchas bandas de rock progresivo.^[3]
Entre 1966 y 1967 se editaron algunos de los álbumes que suelen ser considerados como precursores de este enfoque. Los Beach Boys editan Pet Sounds, un influyente álbum que se destacó por su sonido sinfónico^[13] y es frecuentemente considerado el punto en que maduró la visión del principal compositor del grupo, Brian Wilson.^[14] Pink Floyd lanzó el críticamente aclamado The Piper at the Gates of Dawn, un disco sumamente influyente y pionero tanto en la psicodelia como en el progresivo, combinando elementos folk con sonidos espaciales y avant-garde. Los Beatles lanzaron álbumes como Revolver y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band que debido a su experimentación y eclecticismo pueden ser considerados influencia en el rock experimental y el art rock.^[1] Según el crítico Richie Unterberger, muchas personas estaban convencidas en su momento de que Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band "representaba el triunfo más grande del pop, o una evolución del pop hacia arte con A mayúscula", en parte gracias a la mezcla de elementos de la música de la India, música electrónica avant-garde, música clásica y music hall, entre otros estilos.^[15] Según Stephen Thomas Erlewine, luego de la salida de este álbum "no había más reglas que seguir -- las bandas de rock y pop podían intentar cualquier cosa",^[16] mientras que en Revolver la banda había comenzado a "explorar nuevo territorio sónico, temas líricos y estilos de composición".^[17]
En Estados Unidos se editó en 1966 otro álbum influyente en el desarrollo del art rock: Freak Out!, el debut de Frank Zappa & The Mothers Of Invention.^{[1] [18] [19]} Este álbum doble se destacó por estar dividido en dos partes: la primera contenía canciones de pop, rock y doo wop que satirizaban las convenciones de la música para adolescentes, parodiando y deconstruyéndola, además de algunas canciones con crítica social; mientras que en la segunda parte, la banda de Frank Zappa experimenta con elementos de musique concrète, disonancia, cambios de ritmos y efectos de estudio.^[19] Zappa exploraría y desarrollaría las ideas presentadas en este álbum a lo largo de su extensa discografía.^{[19] [18]} Otros artistas estadounidenses como Captain Beefheart y The Residents editarían álbumes estilísticamente relacionados. El álbum de 1968 de Captain Beefheart and his Magic Band, Trout Mask Replica, sería muy influyente en géneros posteriores como el punk y la new wave por su compleja mezcla de elementos de R&B, blues, jazz, experimentación, garage rock y letras surrealistas y absurdistas;^{[20] [21]} mientras que los Residents experimentarían con música electrónica, distorsión, avant-jazz y música clásica en el contexto de álbumes conceptuales satíricos desde los años 70 en adelante.^[22]
The Velvet Underground, con su debut The Velvet Underground and Nico, es frecuentemente considerada una banda pionera en la experimentación dentro del rock y una influencia importante en géneros que surgirían más tarde como el glam rock, el punk, la new wave, el rock gótico, y el noise rock.^[23] La banda se destacó por su uso del feedback y de instrumentos como la viola, por su incorporación de elementos de jazz y música avant-garde dentro del contexto de la canción pop y la música rock, y por sus letras que tocaban temáticas como el uso de drogas con la heroína y el sadomasoquismo.^[24] El segundo álbum del grupo, White Light/White Heat, presentaba una canción de 17 minutos de duración llamada "Sister Ray" que estaba influida por el free jazz.^[25]
En 1967 dos grupos que habían comenzado su carrera haciendo rhythm & blues, Procol Harum y The Moody Blues, se movieron en la dirección del rock psicodélico tras editar material influido por elementos de música clásica.^{[1] [12] [26]} Procol Harum (que había surgido de una banda de R&B llamada The Paramounts) tuvo un exitoso single titulado "A Whiter Shade Of Pale", con un órgano tocando una melodía con influencias de Johann Sebastian Bach y letras poéticas (influencias de Bob Dylan). El primer LP del grupo salió al poco tiempo bajo el nombre de Procol Harum (que luego pasó a titularse A Whiter Shade Of Pale con la inclusión del sencillo) y mezclaba elementos clásicos con influencias del blues, de artistas de rhythm and blues como Ray Charles y de Jimi Hendrix (por parte de su guitarrista Robin Trower, quien más tarde dejaría el grupo para tener una exitosa carrera solista). La banda editaría otros álbumes similares estilísticamente.^[26] Por su parte, los Moody Blues editaron Days of Future Passed, un álbum conceptual orquestado por la London Festival Orchestra que fue exitoso comercialmente gracias a los singles "Nights In White Satin" y "Tuesday Afternoon".^{[12] [27]} La banda seguiría editando álbumes conceptuales con énfasis en las armonías grupales y con el melotrón ocupando un lugar importante en el sonido del grupo (en lugar de arreglos de cuerdas), y su sonido sinfónico es considerado precursor del rock progresivo.^[12]
Piero Scaruffi menciona a bandas como Cream y The Nice, a álbumes conceptuales como Odyssey & Oracle de The Zombies y Ogden's Nut Gone Flake de los Small Faces (ambos de 1968), y óperas rock como S.F. Sorrow de The Pretty Things (también de 1968) y Tommy de The Who (editado en 1969) como el origen del rock progresivo.^[11] Otros artistas de rock psicodélico de la época serían pioneros de subgéneros experimentales que se desarrollarían en décadas posteriores, como es el caso de Pink Floyd, cuyo álbum debut The Piper at the Gates of Dawn sería considerado influencia en el llamado space rock.^[28] Más tarde, tras la partida del líder del grupo (Syd Barrett), la banda se acercaría más al rock progresivo y tendría mayor éxito comercial. La banda se destacó por experimentar con efectos sonoros y por realizar álbumes conceptuales y shows elaborados.^[29]

Relación con el rock progresivo[editar]

Artículo principal: Rock progresivo

El concepto de "art rock" es frecuentemente usado como sinónimo de "rock progresivo", un término más específico usado para designar a un subgénero surgido en Gran Bretaña conocido por su tendencia al virtuosismo, la complejidad y por sintetizar elementos de música clásica y jazz (y en menor medida, folk y blues) con música rock, además de darle prominente uso a instrumentos como el melotrón.^{[1] [8]} Según la Allmusic, el art rock tiende a incorporar influencias de música experimental o avantgarde y a buscar "texturas sonoros novedosas", mientras que el rock progresivo tiene una tendencia a estructuras más tradicionalmente melódicas, a incorporar letras con elementos "literarios" (por ejemplo, con temáticas de ciencia ficción) y a una instrumentación técnicamente derivada de la música clásica.^[1] En algunos casos el art rock es visto como un sub-género del rock progresivo con música más simple, o como una tendencia a concentrar las ideas del rock progresivo en canciones más cortas, como en el caso de bandas como Roxy Music, 10cc y Supertramp.^{[30] [8]} Otras bandas que algunas veces se consideran al art rock y al rock experimental como subgéneros del rock progresivo.^{[8] [31]} Los principales referentes del rock progresivo tuvieron mucho éxito comercial en la primera mitad de los años 70 (a pesar de ser despreciados por los tradicionalistas), pero desde entonces el género perdió su popularidad y el respeto de lo críticos (quienes en muchos casos ven al rock progresivo como "pomposo" y "autoindulgente"), y otros géneros como el punk lo reemplazaron en cuanto a popularidad.^{[3] [8]}

Pink Floyd

El debut de King Crimson, titulado In the Court of the Crimson King es frecuentemente considerado el primer álbum de rock progresivo. Editado en 1969, el álbum tiene un sonido que ha sido comparado por algunos críticos con el de bandas como The Nice, Moody Blues y Procol Harum. Según el crítico Piero Scaruffi, el álbum se destacaba por su atmósfera con elementos medievales y "psicodélicos", y por sus "baladas majestuosas".^[11] Otros referentes importantes del género incluyen a Génesis, Yes, Emerson, Lake & Palmer, Pink Floyd y Jethro Tull.^{[1] [3]}
Una banda que suele ser catalogada como "art rock" y "rock progresivo" es Roxy Music, que se destacó por utilizar instrumentos no relacionados con el rock como el oboe y por experimentar con elementos electrónicos (aportados por Brian Eno, quien dejaría el grupo y tendría una reconocida carrera solista, en la que fue pionero del ambient y con la que se volvió influencia en géneros posteriores como el punk, el techno y la música new age).^{[32] [33]} Según Stephen Thomas Erlewine, Roxy Music "tocaba una variación desafiantemente experimental del art rock".^[34]

Subgéneros de rock experimental[editar]

La escena de Canterbury[editar]

Artículo principal: Escena de Canterbury

A fines de los años 60 surgieron varias bandas (principalmente centradas en la ciudad inglesa de Canterbury) que suelen ser consideradas parte de un subgénero del rock progresivo, como Soft Machine, Caravan, Gong, Matching Mole, National Health, Egg, Camel y Hatfield and the North.^[8] Estas bandas se destacaban por mezclar rock psicodélico con elementos de jazz (como la improvisación).^[8] Los miembros de estas agrupaciones estaban muy relacionados entre sí ya que muchos surgieron de la misma banda (The Wilde Flowers), y algunos tuvieron carreras solistas (como en el caso de Robert Wyatt, Kevin Ayers y Allan Holdsworth).^[8] Para fines de los años 70, la mayoría de estas bandas habían evolucionado en una dirección más cercana al jazz y mayormente instrumental.^[8]

Krautrock[editar]

Artículo principal: Krautrock

En Alemania Occidental surgió una escena experimental (a veces considerada parte del rock progresivo)^[35] a fines de los años 60 y principios de los años 70 compuesta por una diversidad de artistas que tomaban influencias de rock psicodélico, jazz y música clásica y avant-garde del siglo XX (como musique concréte y minimalismo).^[8] Esta corriente fue denominada krautrock (o kraut rock, término originalmente despectivo), y en ocasiones también es conocida como kosmiche musik.^[8] Algunos de las bandas más reconocidas incluyen a Can, Neu!, Faust, Kraftwerk, Popol Vuh, Amon Düül II y Tangerine Dream. Estas bandas no tenían un sonido que las identificara, sino que usaban una gran diversidad de recursos, desde ritmos repetitivos e hipnóticos (como el ritmo "motorik", ejemplificado por Neu!) hasta influencia de música étnica del resto del mundo, además de improvisaciones libres, deconstrucciones, collages y uso de elementos electrónicos y sintetizadores.^{[7] [35]} Estas agrupaciones anticiparon e influyeron en el desarrollo de muchos géneros que se desarrollaron posteriormente, como la música electrónica,^[36] el ambient,^[35] el post-punk,^[37] la música industrial,^[7] el post-rock^[7] y la música new age;^[36] y son citadas como influencia por artistas como Sonic Youth y Stereolab.^{[7] [35]} Sin embargo, estos artistas rara vez lograron éxito comercial y en la segunda mitad de los años 70 la mayoría de esas bandas se separaron o se movieron en otras direcciones.^{[8] [35]}

No Wave[editar]

Artículo principal: No Wave

A principios de los años 80 surgió en Nueva York un movimiento avant-garde (a veces asociado en parte al post-punk) llamado No Wave que se destacó por hacer música agresiva, abrasiva y ruidosa.^{[38] [39]} Algunos de los artistas más importantes de este movimiento incluían a Teenage Jesus & the Jerks, Glenn Branca, DNA, Mars, James Chance & The Contortions y Lydia Lunch.^{[38] [39]} A diferencia de los músicos de punk, estos artistas tenían una tendencia a producir música atonal y disonante (aunque rítmica) en lugar de música melódica. El estilo del movimiento fue popularizado por bandas más melódicas como Sonic Youth.^[39]

Math rock[editar]

Artículo principal: Math rock

El math rock es un estilo surgido a fines de los años 80 que suele ser relacionado con el post-rock, aunque se diferencia del mismo por sus ritmos complejos y sus compases; además de poseer texturas más densas y un mayor énfasis en la guitarra.^{[40] [41]} El math rock surgió y se desarrolló en Estados Unidos (en especial en Pittsburgh, Chicago, Ohio, San Diego y Lousville) y en Japón, y toma influencias del punk, el rock progresivo, el noise, el heavy metal, el avant-garde y el jazz.^[42] Algunas de las bandas más importantes del género son Slint, Don Caballero, Shellac, Battles, Chavez y Polvo.

Post-rock[editar]

Algunas bandas consideradas dentro del género Post-rock tienen influencias del rock progresivo. Sin embargo, la mayor diferencia notable es que algunas notas son repetitivas en un periodo corto de tiempo y no largas (corcheas en lugar de blancas). En su mayor semejanza están Explosions in the sky, Mono (Japón), Sigur Ros, Animal Collective, y las carreras solistas de Panda Bear (Noah Lennox), entre otros. Otras bandas fusionan elementos de música clásica, jazz, y son tan experimentales que algunos las llaman vanguardistas (los primeros dos discos de ...As the poets affirm).

Art pop[editar]

Art pop fue un género relacionado inspirado en el arte pop y se desarrolló cuando músicos pop se inspiraron en sus estudios de la escuela de arte de los años 1950 y 1960, incluyendo a John Lennon, Bryan Ferry, Syd Barrett, and Brian Eno.^[43] El término vagamente definido incluye música de Talking Heads, Peter Gabriel, Laurie Anderson, Beck, Pavement, and Duncan Sheik. Art pop a menudo se refiere a cualquier estilo pop cuyo artista aspira deliberadamente a las convenciones de la música clásica y la poesía. Según Stephen Holden, muchas fuentes datan el origen del art pop a mediados de los años 1960 cuando productores como Phil Spector y Brian Wilson de los Beach Boys incorporaron texturas pseudo-sinfónicas a sus grabaciones pop, y los Beatles grabaron por primera vez con un cuarteto de cuerda. En Norteamérica, el art pop fue más influenciado por Bob Dylan y la Generación Beat, y se volvió más literario a través del movimiento cantautor de la música folk.^[44]
La base de datos en red sobre música Rate Your Music define el art pop como "un género que mezcla las melodías de la música pop con elementos no convencionales o experimentales, tales como el uso de estructuras progresivas, las firmas de tiempo inusuales, cambios de ritmo bruscos, la experimentación vocal (como la búsqueda de los tonos muy agudos, el alargamiento de la voz, o el uso de las técnicas vocales, como el canto de garganta), una interpretación sinfónica, orquestal y teatral, o la adición frecuente de diversos elementos electrónicos como el trip hop o glitch."^[45]
El sociomusicólogo citó a Roxy Music como "la banda de art pop arquetípica".^[46] La música de Lorde, que ha sido descrita como art pop,^[47] lideró los charts en 2013.^[4